sábado, 27 de noviembre de 2010
exposicion quinto grupo!
Como podéis ver en las fotos estos son los integrantes del grupo,desde mi parecer fue una exposición muy interesante y vi que todos estaban muy unidos es decir,se veía un trabajo en grupo.
Una de las cosas a destacar desde mi punto de vista es el PowerPoint que hicieron y nos pusieron a todos ya que pienso que estaba muy trabajado.
La ultima foto la e puesto porque fue para mi lo mas interesante de la clase y con lo que todos nos reímos muchisimo ya que la prueba consistía en decir el color de las palabras y no lo que pone y vimos que un niño pequeño lo hace antes que algunos de nosotros ya que no saben leer.
sábado, 20 de noviembre de 2010
seminario viernes 19 de noviembre!
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| En este seminario fuimos a pintar al aire libre,como se puede ver en la primera foto yo elegí esa parte del lugar donde estuvimos.Al principio yo hice el primer dibujo que podeis ver en la foto pero debido a las indicaciones del profesor tuve que repetir mi dubujo ya que me dijo que dibujaba más cosas que yo pensaba ver que lo que veía realmente y es cierto porque yo me dediqué a hacer las hojas de los árboles minuciosamente y en realidad no podía observarlas.Así después de dichas indicaciones y después de una demostración del profesor hice mi segundo dibujo que es el que se ve en la parte inferior de la segunda foto.Esta clase nos sirvio para disfrutar del nuen día que hacía y aprender a pintar cosas reales que no algo que tengamos en nuestra mente como se suele hacer y a dibujar cosas que realmente se ven y no darle tantos detalles a nuestros dibujos ya que en realidad hay cosas que aunque sepamos que son así en realidad no las observamos de esa manera. |
exposicion cuarto grupo!
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| El tema de exposicion de este grupo fue"las teorías de las etapas evolutivas de la expresión infantil y los principios generales del dibujo infantil".La exposición de este grupo fue un poco diferente a todas las anteriores ya que dividieron la clase en 7 grupos numerados del 1 al 7 que te indicaban nada m´s entrar a la clase lo que a mi me recordó al famoso juego del pañuelo ya que también es numerado.Los diferentes componentes del grupo o "miniprofesores" como eyos dijeron estaban divididos de uno en uno por mesa e iban rotando por todas para hacernos a todos las mismas pruebas y diferentes cada una de eyas.Fue en plan competición para animar un poco la cosa y nos tuvo a tods muy entretenidos desde mi punto de vista.Al final aunque hubo dos grupos ganadores ninguno de nosotros perdimos ya que nos regalaron un caramelo por haber participado y los ganadores se yevaron más ya que inspirado a los niños de primaria que a ninguno les gusta perder es una forma de que todos ganen algo que yo creo que es una idea muy buena. |
¿quién las dijo?
Frases:
«Lo que es genial de este país es que América ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola, y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes.»
«Comprar es mucho más americano que pensar, y yo soy el colmo de lo americano.»
«Nunca pienso que las cosas mueren. Simplemente van a grandes tiendas.»
«He decidido algo: comerciar cosas realmente fétidas.
Enseguida se convertirían en éxito en un mercado masivo que realmente apesta.»
«Me temo que si uno fija su atención en una cosa el tiempo suficiente, pierde todo su significado.»
«Nunca leo, veo las imágenes.»
«La inspiración es la televisión.»
«En el futuro todo el mundo será famoso durante quince minutos.
Todo el mundo debería tener derecho a 15 minutos de gloria.»
«En los años ochenta va a haber cada quince minutos un nuevo futuro.»
«Lo más hermoso de Florencia es el restaurante McDonald’s.»
ESTAS FRASES SON DEL CONOCIDO AUTOR ANDY WARHOL.
Yo voy a hacer un comentario de la frase:"me temo que si uno fija su atención en una cosa el tiempo suficiente,pierde todo su significado"
Creo que el autor tiene razón cuando dice esta frase ya que si una persona se queda fijamente mirando un objeto,dicho objeto cambia cuando llevas mucho tiempo mirandolo ya que se te nubla la vista y demás y a eso se refiere el autor con "pierde todo su significado".
domingo, 14 de noviembre de 2010
exposicion tercer grupo!
Durante la exposicion las diferentes compañeras nos estuvieron hablando sobre cómo dibujan los niños dependiendo de la edad y nos enseñaron cómo de un garabato pasan a dibujos con mas forma.
También mediantes unos videos que pusieron vimos como los niños prefieren el color azul y las niñas el rosa,cosa que podemos ver todos los dias en nuestro alrededor.
En lo referido a este tema creo que los padres,profesores etc. deberian dejar dibujar a los niños con toda libertad y no poner ningun tipo de limitacion.
sábado, 13 de noviembre de 2010
clase del jueves 11 de noviembre!
Todos llevamos nuestra mano de escayola echa anteriormente en otra clase con el fin de juntarlas todas y ponerlas en un lugar en el que llamaran la atención de la gente y de alguna manera en concreto.
Como se puede ver en la primera foto el profesor nos dijo de salir fuera de la clase para ir poniéndolas en un lugar determinado en el que nos indico todas y cada una de las manos en el momento en el que cada uno viéramos oportuno.
Al principio no salíamos ninguno a colocar nuestra mano donde nos apeteciera la verdad que costó un poco que saliera la primera persona, pero después de salir el primero todos nos fuimos animando e incluso en varias ocasiones pasó que varias personas querían salir a la vez pero nos organizamos bien.
La tercera y la cuarta foto muestran la figura que hicimos después de colocar todos nuestra mano y la ultima foto muestra la figura que quedo después de que varios alumnos bajo las indicaciones del profesor cambiaran nuestra figura y la dejaran de esa forma.
IDEA DE LO SUBLIME
Lo sublime es una categoría estética, derivada principalmente de la obra Περὶ ὕψους ("Sobre lo sublime") del poco conocido escritor griego Longino (o Pseudo-Longino), y que consiste fundamentalmente en una belleza extrema, capaz de llevar al espectador a un éxtasis más allá de su racionalidad, o incluso de provocar dolor por ser imposible de asimilar. El concepto de lo "sublime" fue redescubierto durante el Renacimiento, y gozó de gran popularidad durante el Barroco, durante el siglo XVIII alemán e inglés y sobre todo durante el primer Romanticismo.
Incendio de Roma (1787), de Hubert Robert. 
La pesadilla (1781), de Johann Heinrich Füssli, muestra de lo sublime patético, del sentimiento sobrecogedor de lo terrorífico.
Soñador (Ruinas de un monasterio en el Oybin) (1835), de Caspar David Friedrich.
Lo sublime en el arte
Lo sublime tuvo gran relevancia en el romanticismo: los románticos tenían la idea de un arte que surge espontáneamente del individuo, destacando la figura del “genio” –el arte es la expresión de las emociones del artista–. Se exalta la naturaleza, el individualismo, el sentimiento, la pasión, una nueva visión sentimental del arte y la belleza que conlleva el gusto por formas íntimas y subjetivas de expresión, como lo sublime. También otorgaron un nuevo enfoque a lo oscuro, lo tenebroso, lo irracional, que para los románticos era tan válido como lo racional y luminoso. Partiendo de la crítica de Rousseau a la civilización, el concepto de belleza se alejó de cánones clásicos, reivindicando la belleza ambigua, que acepta aspectos como lo grotesco y lo macabro, que no suponen la negación de la belleza, sino su otra cara. Se valoró la cultura clásica, pero con una nueva sensibilidad, valorando lo antiguo, lo primigenio, como expresión de la infancia de la humanidad. Asimismo, se revalorizó la Edad Media, como época de grandes gestas individuales, en paralelo a un renacer de los sentimientos nacionalistas. El nuevo gusto romántico tuvo especial predilección por la ruina, por lugares que expresan imperfección, desgarramiento, pero a la vez evocan un espacio espiritual, de recogimiento interior
En arte, lo sublime corrió en paralelo con el concepto de lo pintoresco, la otra categoría estética introducida por Addison: es un tipo de representación artística basada en unas determinadas cualidades como serían la singularidad, irregularidad, extravagancia, originalidad o la forma graciosa o caprichosa de determinados objetos, paisajes o cosas susceptibles de ser representadas pictóricamente. Así, sobre todo en el género del paisaje, en el arte romántico se aúnan sublime y pintoresco para producir una serie de representaciones que generen nuevas ideas o sensaciones, que agiten la mente, que provoquen emociones, sentimientos. Para los románticos, la naturaleza era fuente de evocación y estímulo intelectual, elaborando una concepción idealizada de la naturaleza, que perciben de forma mística, llena de leyendas y recuerdos, como se denota en su predilección por las ruinas. El paisaje romántico cobró predilección por la naturaleza grandiosa: grandes cielos y mares, grandes cumbres montañosas, desiertos, glaciares, volcanes, así como por las ruinas, los ambientes nocturnos o tormentosos, las cascadas, los puentes sobre ríos, etc. Sin embargo, no sólo el mundo de los sentidos proporciona una visión sublime, también existe una sublimidad moral, presente en acciones heroicas, en los grandes actos civiles, políticos o religiosos, como se podrá ver en las representaciones de la Revolución francesa. Igualmente, existe la sublimidad pasional, la de la soledad, la nostalgia, la melancolía, la ensoñación, el mundo interior de cada individuo
Los románticos encontraron cierta sublimidad –con efectos retroactivos– en la arquitectura gótica o en la “terribilità” de Miguel Ángel, que para ellos era el genio sublime por excelenciaSin embargo, el arte sublime se debe circunscribir al realizado en los siglos XVIII y XIX, sobre todo en Alemania y Reino Unido. Dos de los más grandes representantes de lo sublime, entendido como grandeza y como sentimiento desbordante, como un sublime moral más que físico, fueron William Blake y Johann Heinrich Füssli. Blake, poeta y pintor, ilustraba sus propias composiciones poéticas con imágenes de desbordante fantasía, personales e inclasificables, mostrando una imagen paroxística de lo sublime por el carácter épico, místico y apasionado de los personajes y las composiciones, de movimiento dinámico y exacerbado, de influencia miguelangelesca, como en su poema simbólico Jerusalén (1804-1818) –Blake elaboraba a la vez imagen y texto, como en las miniaturas medievales–. Füssli, pintor suizo afincado en Gran Bretaña, realizó una obra de temática basada en lo macabro y lo erótico, lo satírico y lo burlesco, con una curiosa dualidad, por una parte los temas eróticos y violentos, por otra una virtud y sencillez influida por Rousseau, pero con una personal visión trágica de la humanidad. Su estilo era imaginativo, monumental, esquemático, con cierto aire manierista influido por Miguel Ángel, Pontormo, Rosso Fiorentino, Parmigianino y Domenico Beccafumi. El sentido de lo sublime en Füssli se circunscribe al ámbito emocional, psíquico, más que al físico: es la sublimidad del gesto heroico, como en Juramento en el Rütli (1779); del gesto desolado, como en El artista desesperado ante la grandeza de las ruinas antiguas (1778-80); o del gesto terrorífico, como en La pesadilla (1781).
Quizá el más prototípico artista de lo sublime fue el alemán Caspar David Friedrich, que tenía una visión panteísta y poética de la naturaleza, una naturaleza incorrupta e idealizada donde la figura humana tan sólo representa el papel de un espectador de la grandiosidad e infinitud de la naturaleza –obsérvese que generalmente las figuras de Friedrich aparecen de espaldas, como dando paso a la contemplación de la gran vastedad del espacio que nos ofrece–. Entre sus obras destacan: Dolmen en la nieve (1807), La cruz en la montaña (1808), El monje junto al mar (1808-1810), Abadía en el robledal (1809), Arco iris en un paisaje de montañas (1809-1810), Acantilados blancos en Rügen (1818), El caminante sobre el mar de nubes (1818), Dos hombres contemplando la luna (1819), Océano glacial (Naufragio de la “Esperanza”) (1823-1824), El gran vedado (1832), etc.
Otro nombre de relevancia es el de Joseph Mallord William Turner, paisajista que sintetizó una visión idílica de la naturaleza influida por Poussin y Lorrain, con una predilección por los fenómenos atmosféricos violentos: tormentas, marejadas, niebla, lluvia, nieve, o bien fuego y espectáculos de destrucción. Son paisajes dramáticos, perturbadores, que provocan sobrecogimiento, dan sensación de energía desatada, de tenso dinamismo. Cabe destacar los profundos experimentos realizados por Turner sobre cromatismo y luminosidad, que otorgaron a sus obras un aspecto de gran realismo visual. Entre sus obras destacan: El paso de San Gotardo (1804), Naufragio (1805), Aníbal cruzando los Alpes (1812), El incendio de las Casas de los Lores y de los Comunes (1835), Negreros tirando por la borda a muertos y moribundos (1840), Crepúsculo sobre un lago (1840), Lluvia, vapor y velocidad (1844), etc.
También cabría citar como paisajistas enmarcados en la representación de lo sublime a John Martin, Thomas Cole y John Robert Cozens en el Reino Unido; Ernst Ferdinand Oehme y Carl Blechen en Alemania; Caspar Wolf en Suiza; Joseph Anton Koch en Austria; Johan Christian Dahl en Noruega; Hubert Robert y Claude-Joseph Vernet en Francia; y Jenaro Pérez Villaamil en España.
LANDART
El Land Art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste estadounidese a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman earthworks, palabra que puede traducirse como excavaciones, aterramientos o desmontes).
El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas). Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el arte povera.
Artistas plenamente considerados de Land art son:
El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas). Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el arte povera.
Finalidad
Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado. El principio fundamental del Land Art es alterar, con un sentido artístico, el paisaje, para producir el máximo de efectos y sensaciones al observador. Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del humano-artista con el medio ambiente.
El artista del Land Art utiliza como materia prima para sus obras la tierra, el medio ambiente. El soporte y el material es el propio paisaje existente, tanto urbano como rural, lo mismo montañas, que desiertos. Su principal técnica es la instalación en el paisaje, en donde sus trabajos llegan a interactuar con el medio ambiente ahora de forma más directa, modificando una fracción del paisaje. Los artistas del Land art corrigen la topografía, cavan zanjas, simas o surcos; hacen grandes movimientos de tierras usando excavadoras o camiones oruga; construyen enormes rampas o embalan edificios (Christo) o rocas; distribuyen colorantes en playas o desiertos, pintan árboles o piedras como el artista y pensador argentino Eduardo Sanguinetti, en la Pampa 1980... Algunos, como Richard Long, simplemente caminan una y otra vez para marcar un camino, o colocan piedras, o hacen espirales con algas.
Para ello el arte interviene dentro del paisaje, dentro de la estructura misma de éste, modificándolo. Ya sea desde una postura contrastante o mimética, en la cual se realiza una operación extractiva o sumativa, construida con elementos que se encuentran dentro de este mismo entorno (tierra, agua, luz, etc.)
El paisaje es parte fundamental de la obra, el que indica muchas veces el que hacer. El artista dialoga primero con el entorno y posteriormente la obra realizada en él conservará esta conversación. Así surge la transformación que permite a esta experiencia artística recuperar valores ancestrales, comunicar ideas, pensamientos y sensaciones.
El Land Art establece un diálogo, muchas veces de carácter arquitectónico pero siempre bajo el imperativo artístico, con la naturaleza. Expone delante del espectador un mundo que requiere de éste para su comprensión que se compenetre con mucha más intensidad que la empleada para la simple visión de un paisaje.
Para conseguir que el hombre pueda apropiarse del territorio, modificándolo y reinterpretándolo según su sensibilidad, es necesario que el artista entienda el lugar en el cual va a trabajar, compenetrándose con él. Con el Land-Art, el hombre deja su huella en la Naturaleza, estructurando un nuevo paisaje bajo su sensibilidad y su capacidad de interpretación de la misma.
La obra resultante es mucho más efímera que la resultante del arte convencional. De ahí que se fotografía o se recoge en planos, bocetos o grabaciones audiovisuales.
Artistas Land art
Tuvo predecesores, como la obra de Isamu Noguchi (Playgrounds, Playmountains, 1940), Herbert Bayer (Earth Mound de 1966 en Aspen, Colorado) y Dani Karavan (n. 1930, artista de ambientes como su Monumento a la paz en el desierto de Neguev, 1963-1968).Artistas plenamente considerados de Land art son:
- Christo (n. 1935) & Jeanne-Claude (n. 1935), con sus típicos embalajes.
- Walter De Ma (n. 1935), que realiza obras de raíces simbólicas y mitológicas.
- Eduardo Sanguinetti (n. 1961 ), Precursor del Land Art en América Latina, como modelo generativo de protección del Medio Ambiente, con juntamente con sus célebres performances de la serie Solum y ensayos de ecología, material utilizado en las mas diversas regiones y etnias del planeta
- Michael Heizer (n. 1944)
- Robert Morris (n. 1931)
- Nicolás García Uriburu (n. 1937)
- Dennis Oppenheim (n. 1938) y sus Snow Projects (proyectos-nieve).
- Robert Smithson (1938-1973), quien desarrolló el concepto site sculpture (escultura de lugar), esto es, la escultura como parte de un lugar determinado y no como un objeto que se puede llevar de un lugar a otro.
- Eberhard Bosslet
- James Turrell
- Eugenio Bermejo
- Juan Doffo, argentino
- Agustín Ibarrola
OPART
Galería
 Lamparas de Dendera |  Hierro de Wolfsegg. |  Las esferas de Klerksdorp. |  El pájaro de Saqqara. |
 Cráneo de cristal. |  Dibujo de la batería de Bagdad. |  Fragmento del mapa de Piri Reis. |
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Interpretación popular
Muchas veces, los creacionistas aluden a este tipo de objetos para refutar la teoría de la evolución o la estimación científica de la edad de la Tierra. Los Oopart también se han utilizado por los aficionados a la ufología y otras pseudociencias como base para la teoría de que la humanidad habría sido fundada y/o alterada por civilizaciones extraterrestres mucho más avanzadas o evolucionadas (creacionismo alienígena), ya que desde su punto de vista algunos de los pueblos antiguos poseerían, precisamente por este motivo, conocimientos científicos en determinadas áreas al menos tan avanzados como los actuales, así como tecnología insólita para su tiempoInterpretación científica
Si bien es cierto que las características aparentemente extraordinarias de algunos de estos objetos aún no poseen una interpretación desde la arqueología, paleontología u otras areas de estudio, o bien fueron catalogados como Ooparts para luego salir de esta clasificación, en general la comunidad científica se muestra escéptica frente a las interpretaciones que califican a estos objetos como "fuera de lugar". Un gran número de estas han sido refutadas como productos de fenómenos como el palimpsesto, la pareidolia, la falsificación o simplemente la ignorancia respecto a las culturas que produjeron el objeto en cuestión.Lista de Ooparts mas populares
| Artefacto | Descripción | Ubicación Cronológica | Lugar de Hallazgo | Interpretación | |||||||
| Pieza de hierro de forma más o menos cúbica | Indeterminada | Mina de Hierro en Austria. | Probablemente un meteorito | ||||||||
| Platillos de Dropa o de Bayan Kara Ula | Platillos con inscripciones supuestamente alienígenas | Todas las pruebas alrededor de este caso son dudosa, partiendo por la identidad de sus descubridores. | |||||||||
| - | En estudio | ||||||||||
| Bujía encontrada dentro de un trozo de arcilla petrificada. | 700.000 años de antigüedad. | Olancha, California. | Se trataría de una simple bujía utilizada en trabajos de minería que quedo envuelta en hormigón. | ||||||||
| Bolas de pirita acanaladas de origen supuestamente artificial. | Ottosdal, Sudáfrica | Nódulos de pirita de origen metamórfico, y nódulos de 'goethita' formados del desgaste de la pirita. | |||||||||
| Martillo incrustado en piedra. | Kingoodie Quarry, Escocia | Se cuestiona la ausencia de oxidación, por tanto, la autenticidad del objeto. | |||||||||
| 100.000 años de antigüedad | Objeto desaparecido | ||||||||||
| Piedras de andesita con grabados que representan dinosaurios, tecnología moderna y supuestos seres extraterrestres. | 120.000 años de antigüedad. | Falsificación. | |||||||||
| Supuesto modelo de un avión moderno. | 200 A.C. | Representación de un Halcón. | |||||||||
| Jeroglíficos que supuestamente representan ampolletas modernas. | siglo IV A.C. | Pareidolia provocada por jeroglíficos que representan a una serpiente y una flor de loto. | |||||||||
| Representaciones de cráneos humanos tallados en cristal. | 1400-1500 A.C. | Falsificación | |||||||||
| Jarras utilizadas supuestamente para generar electricidad. | 250 A.C. y 250 D.C. | La ausencia de rastros de algún electrolito, el bajo potencial eléctrico del sistema y la ausencia de usos prácticos para la electricidad en la época cuestionan al objeto como Oopart |
domingo, 7 de noviembre de 2010
seminario viernes 5 de noviembre
REFLEXIÓN:Desde mi punto de vista esta clase puede haber servido para darnos cuenta que no solo nos podemos comunicar a través del habla sino que a partir de signos conocidos por todo el mundo podemos comunicarnos con personas de lugares diferentes y de habla distinta ya que como pudimos ver con los dos dibujos primeros(el de la flor y el de la casa)todos mas o menos hicimos el mismo dibujo sin mirarnos los unos a los otros.
Con el segundo dibujo lo que hicimos es utilizar la memoria visual ya que teníamos que pensar en una persona del distinto sexo y dibujarla sin mirar el papel,así nos dimos cuenta que si lo hacemos como normalmente se hace podíamos perfeccionar el dibujo y de esta manera nos salia un dibujo un poco regular.Al final hicimos una especie de juego de teléfono en el que una primera alumna hacia un dibujo y las demás de la fila teníamos que hacer el mismo mirando por un espejo y vimos como iban cambiando los dibujos del primero al ultimo aunque los del final eran mas o menos iguales lo que nos dio a ver que como no miremos bien y exactamente lo que queremos dibujar no nos sale tal y como esta hecho.
Con el segundo dibujo lo que hicimos es utilizar la memoria visual ya que teníamos que pensar en una persona del distinto sexo y dibujarla sin mirar el papel,así nos dimos cuenta que si lo hacemos como normalmente se hace podíamos perfeccionar el dibujo y de esta manera nos salia un dibujo un poco regular.Al final hicimos una especie de juego de teléfono en el que una primera alumna hacia un dibujo y las demás de la fila teníamos que hacer el mismo mirando por un espejo y vimos como iban cambiando los dibujos del primero al ultimo aunque los del final eran mas o menos iguales lo que nos dio a ver que como no miremos bien y exactamente lo que queremos dibujar no nos sale tal y como esta hecho.
segundo grupo de trabajo
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